Arte del Renacimiento

El artista Giorgio Vasari utilizò la palabra rinascita —«renacimiento»—  para describir el resurgir de las artes en Italia desde el siglo XIV hasta su propia época. Reinaissance es el sinónimo  francés; el uso que utilizó Jacob Burckhardt en su civilazción del ranacimiento en Italia dio al período el nombre con que se le conoce en la actualidad.

     Determinar el comienzo exacto del renacimiento es tarea complicada, estudiar la época empero, en el contexto de la historia social, económica y religiosa; nos proporciona determinados factores que se destacan como cruciales para el cambio de cosmovisión que lo caracteriza: la peste negra, que acabó con el sistema feudal de la Europa medieval; el surgimiento del comercio, que propició la aparición de una clase de mercaderes acaudalados; y la reducción de la autoridad de la iglesia como resultado de rivalidades internas.

     El período de libertad intelectual en el cual florecio el arte, la ciencia y la literatura comenzó en Italia y se extendió al norte y el oeste de europa, con la excepción de Hungría, que disfrutó de un breve renacimiento bajo Matías Corvino, en cuyo periodo —en el este de Europa— permaneció la tradición bizantina.
     Los escritores y artistas de la época parecen haber sido conscientes de un gran cambio de paradigma que arrastró a su paso las imposiciones de la tradición medieval. en el siglo XIV, escritores como Petrarca comenzaron a desplazar el punto de vista medieval que situaba al hombre como un Adán caído en busca de redención. Artistas, escritores y eruditos se sintieron entonces libres para examinar el mundo material en un intento por comprender el lugar y finalidad de los seres humanos. Así como Petrarca se volvió hacia la literatura y la filosofìa de las antiguas Grecia y roma, los pintores del renacimiento también encontraron su musa en el pasado. La influencia del mundo clásico fue fuerte en Italia, no sólo a causa de los restos de arquitectura y escultura antiguas descubiertos por todo el país, sino también, de manera menos evidente, debido a las formas de gobierno republicanas en las ciudades-estado. las ciudades-república del norte de italia fueron particularmente receptivas a los nuevos estilos de arte, e innumerables obras —grandes— del renacimiento, fueron encargos municipales.
     Puesto que las naciones de Europa aun estaban en proceso de desasrrollo, el renacimiento suele apreciarse mejor en términos de estados que compiten más que los propios países. Los centros artísticos tendieron a corresponderse con los grandes centros del comercio: la supremacía de Florencia dependía tanto de la industria textil como del talento de sus artistas. Las actividades del comercio y la banca motivaron intercambios artísticos entre el norte y el sur. Leonardo da Vinci visitó Francia. Alberto Durero fue a Italia y Jan Van Eyck a Portugal. Tales viajes resultaron fundamentales para la difusión de ideas y ténicas.
     Los artistas del renacimiento tuvieron tanto éxito al emular a los antiguos que poco tiempo después los superaron en destreza técnica. Las disciplinas del arte y la ciencia estaban intimamente relacionadas y, las investigaciones en anatomía, geometría y óptica contribuyeron a la ilusión de realidad en pintura, madera, metal o piedra. Los pintores, en particular, estaban continuamente inventando y peffeccionando nuevos métodos para lograr una ilusión de espacio tridimencional en una superficie plana. entre los diversos resultados del renovado interés por la antigûedad figuraban nuevas formas temáticas; la reintroducción de los antiguos dioses paganos en la imagenería europea es un buen ejemplo. en el norte de europa empero, los artistas estuvieron menos influidos por los modelos clásicos. El estilo gótico persistió en la arquitectura y en gran medida en la pintura, mientras que los artistas del sur de Europa se afanaban por conseguir un realismo cada vez mayor.

Inicios del renacimiento en Italia

Inspirados por san francisco de Asís, los poetas y pintores de la Italia de fines del siglo XIII comenzaron a interesarse por su entorno y a representarlo con mayor fidelidad. Giotto di Bondone introdujo un contenido emocional en su obra, que porprimera vez permitió al espectador identificarse con el tema como ser humano próximo. Las grande sobras de Giotto en las capillas de los Bardi y los Peruzzi en Santa Croce, Florencia, fueron costeadas por banqueros que deseaban glorificar el apellido, La misma expresiva cualidad emocional lograron en la escultura Nicola Pisano y su hijo Giovanni  en Pisa, siena y Pistoia. Cabe destacar la importancia que tuvo Siena en la actividad artística en el siglo XIV. Los frescos de Ambrogio Lorenzetti en el palacio comunal, sus Alegorías del bien y el mal gobierno, introdujeron un nuevo elemento en el arte de la Europa cristiana: la representación realista del paisaje.

Renacimiento italiano en el siglo XV

El rápido progreso de las artes en el siglo XV —el llamado quattrocento—, particularmente en Florencia, es fundamental para el renacimiento. El deseo de afirmar su supremacía en poder y prestigio respecto a otras ciudades-estado italianas, llevó a los florentinos a necargar un número de obras de arte públicas a los principales artistas del siglo XV. La construcción y ornato de la catedral, del campanile adyacente y del baptisterio tuvieron gran importancia entre el conjunto de estos proyectos cívicos. Otro gran proyecto florentino fue la ornamentación de Orsanmichele, un oratorio compartido por los gremios de la ciudad. Cada gremio encargó una estatua, y Donatello, Ghiberti y otros escultores compitieron con sus obras. Cabe señalar la importancia que tuvieron algunas familias de mercaderes y banqueros, en el costeo para la construcción de palacios e iglesias, entre los que destacan los Médici, una familia de banqueros extremadamente rica.

     Brunelleschi y Donatello viajaron a Roma para estudiar la arquitectura y la escultura antiguas, con innumerables mediciones y dibujos. De sus obras surgió un nuevo conocimiento de las artes que transformarían Florencia y toda Europa. La escultura de donatello, tanto en piedra como en bronce, fue revolucionaria; las varias figuras de pies que esculpió para Orsanmichele recordaban la escultura de la Roma republicana. Su bronce David fue el primer desnudo; su bronce Gattamelata, la primera estatua encuestre monumental desde la antigûedad. Su enfoque atrevido y poco convencional le granjeó las simpatías de cosme de Médicis y, el disfrute de una posición social entre gobernantes y eruditos inusual para sus contemporáneos. Los artistas no sólo alcanzaron movilidad social, sino que pasaban libremente de una a otra disciplina. Brunelleschi, orfebre  cualificado y escultor consumado, se convertiría en el excepcional arquitecto de la época. En una baladronada, convenció a las autoridades que podía lograr un imposible, a saber; la construcción de una cúpula en la casi aacabada catedral. Su solución fuen un triunfo de la ingeniería, lo que le valió gran popularidad y renombre. en una ciudad que se complacía ante la idea de que un hombre común lograra hazañas asombrosas, como se ejemplificaba en sus estatuas de David, el que mata al gigante; Brunelleschi se convirtió en un emblema de orgullo cívico.

     El interés de Brunelleschi por la arquitectura antigua, centrado en los estudios matemáticos de la proporción, se vio cumplido en sus diseños arquitectónicos, de manera notable en el de la iglesia del Espíritu Santo y el de la capilla de los Pazzi. Entre los años 1420 y 1430 los principales artistas florentinos estaban resueltos a encontrar los principios matemáticos de la perspectiva. Brunelleschi había demostrado una ténica de perspectiva que proporcionaba la clave para la representación del espacio en una superficie plana o poco profunda. Los resultados inmediatos de este descubrimiento se aprecian en El festín de Herodes, de Donatello, y en el fresco La Trinidad, de Masaccio, que por cierto, fue el primero que consiguió representar de manera convincente la muchedumbre mediante el uso de luz y sombra. Masaccio en un rasgo de ingenio, utilizó la ventana verdadera en la capilla Brancacci de Santa Maria del Carmine para determinar la dirección de la luz en cada una de sus escenas del ciclo de frescos.

     El arte de la Florencia del siglo XV se divide en dos categorías: una monumental y científica, la otra delicada y decorativa. El naturalismo de las pinturas de Massacio, firmemente basado en estudios científicos, contrastó de manera espectacular con el estilo gótico tardío todavía preferido por pintores contemporáneos como Fra Angélico y Fra Filippo Lippi, y más tarde por Sandro Botticelli. si bien estuvieron en cierta medida por los esfuerzos pioneros de artistas como Massacio, se adhirieron a la iconografía simbólica medieval y lograron una cualidad mística que frecuentemente es nula en obras de artistas —concretamente pintores— más «científicos». Piero della Francesca es un ejemplo perfecto de una rica y virtuosa mezcla al combinar ciencia y misticismo. Aprendio las lecciones de Massacio, Brunelleschi y Donatello y estudió a fondo las teorías propuestas por Leon Battista Alberti en su influyente obra De pictura. Desarrolló un sofisticado sistema de medición nunca intentado antes —ni después—, mediante el cual era posible representar en perspectiva incluso la cabeza humana. fue tan fiel a las reglas numéricas que sus pinturas tienen una espiritualidad serena que parece pertenecer al terreno platónico de las matemáticas puras.

     El entusiasmo de la familia gobernante, los Médici, por el neoplatonismo inspiró a muchos artistas de la época, claro que  a ninguno tanto como a Botticelli. Su cuadro La primavera es una alegoría del ciclo platónico de nacimiento, vida y «transmigración del alma». La corte de Venus está representada como un naranjal al amanecer. el espíritu de la Tierra, Cloris (derecha), es tocado por el espíritu del viento y se convierte en Flora, o la naturaleza abundante. Las tres Gracias bailan mientras Mercurio (izquierda) señala hacia el cielo. Convirtiéndose en una gran representación gráfica del platonismo de los humanistas Marsilio Ficino y Angelo Poliziano.

El renacimiento clásico en Venecia

Los venecianos desarrollaron la técnica de la pintura al óleo mediante la adición de resinas, que hizo posible pintar sobre lienzo en lugar de la tabla, común en aquellos tiempos. La pintura veneciana se caracteriza por su integración de figuras y paisaje, y el uso del color en la composición. su rica luminosidad refleja la opulenta sociedad de la Venecia de comienzos del siglo XVI.
     Un pintor sobresaliente fue Giorgione, que dio gran importancia al paisaje en su obra, utilizándolo para crear clima y atmósfera, como en La Tempestad. Tras una etapa de formación con Giovanni Bellini, Tiziano trabajó con Giorgione. Sus primeras obras muestran alguna influencia estílistica de Giorgione, en los años centrales, empero, Tiziano desarrolló un estilo vibrante propio, con su uso espectacular del color, el movimiento y la textura. Sus retratos monumentales de monarcas como Carlos V y Felipe II de España, inauguraron la tradición europea de la pintura de corte, entre cuyos exponentes más tardíos se cuentan Velázquez y Van Dyck.
     Otro artista sobresaliente fue il Tintoretto, fuertemente influenciado por Tiziano. Tintoretto sin embargo, desarrolló su propio estílo, particularmente en una serie de pinturas para la Scuola di San Rocco: estos lienzo fueron inspirados por el fervor religioso de la Contrareforma. Otro contemporáneo de Tintoretto fue el Veronés, que trabajó en obras de parecidas grandes dimensiones. El esplendor de sus escenas de corte era tal, que su contenido religioso a menudo era poco evidente. Finalmente fue llamado ante la Inquisición bajo el cargo de irreverencia en su pintura como sucede —supuestamente— en la gran pintura Cena en casa de Leví.

     El Veronés colaboró con el arquitecto Andrea Palladio en su trabajo en la villa Master, cerca de Venecia, de modo que sus pinturasn se conjugaban con la arquitectura para producir asombrosas ilusiones de espacio. En su estilo clásico, exquisitamente refinado, Palladio llevó a su cima las teorías de la arquitectura renacentista, en las cuales, las proporciones se basan en las relaciones armónicas de las escalas musicales griegas. Palladio diseñó el ayuntamiento, el teatro y diversos palacios en Vicenza, su obra más importante empero, fue el diseño de varias villas cerca de la ciudad. La arquitectura  de Palladio fue tan fiel a los ejemplos antiguos que inspiró el movimiento neoclásico de fines del siglo XVIII y comienzo del XIX. en la terminología de la arquitectura moderna, clásico a menudo significa palladiano.

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Villa Barbaro, Palladio.

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